O que faz a Música Soar Assustadora (The Beat)
Artigo escrito por Zoe Sones, e publicado em 9 de junho de 2022 no blog The Beat, que pode ser conferido aqui.
O que é exatamente que faz músicas soarem tão assustadoras? Vamos mergulhar na teoria por trás das trilhas sonoras de Terror para entender como elas provocam medo.
Todos nós estamos familiarizados com o tipo de música dos filmes de terror que causa angústia e ansiedade. No momento em que uma trilha tortuosa começa a tocar, sabemos que o destino dos personagens na tela não é promissor. Mas você já se perguntou o que exatamente torna as trilhas sonoras tão assustadoras?
Como compositora, escrever música que deixa o público desconfortável e carrega um tom sinistro é algo que eu realmente aprecio. Por isso, vamos reservar um momento para explorar as técnicas que os compositores usam para alcançar esse mundo sonoro específico e como usar essas teorias a seu favor ao adicionar trilhas sonoras ao seu próprio filme de terror.
O Poder da Dissonância
Dissonância refere-se à falta de harmonia na música. A dissonância faz com que seu público se sinta inquieto e ajuda a criar tensão e um senso de movimento nas composições. Normalmente, temos tonalidades maiores e menores na música. A tonalidade maior comumente proporciona um clima positivo e alegre, enquanto a menor está associada à sensação de tristeza ou escuridão.
Tudo isso está relacionado aos intervalos entre cada uma das notas em uma tonalidade específica: em uma tonalidade menor, as notas são rebaixadas, o que altera muito a sensação geral.
A dissonância é uma técnica fundamental usada em trilhas sonoras de horror para aumentar esse desconforto e medo. Isso é alcançado por meio de duas ou mais notas tocadas juntas, que não soam muito agradáveis ao ouvido. Na Teoria Musical Clássica Ocidental, a dissonância geralmente é resolvida para aliviar a tensão, mas neste caso, ela permanece ali, permanentemente pairando sobre nós.
Um exemplo de dissonância pode ser encontrado na trilha sonora de Bobby Krlic, no filme Midsommar. A faixa "Gassed" começa com uma nota longa e sustentada de violino enquanto outra entra, movendo-se ao redor da nota fundamental em completa dissonância. Impactante, não é?
Contraste e Transição
O princípio do contraste afirma que as músicas devem apresentar ideias opostas à medida que progridem. Enquanto Midsommar possui seu mundo sonoro escuro e assustador, Bobby Krlic também utiliza tonalidades que soam mais esperançosas, mas ainda assim têm um subtexto perturbador. Isso é alcançado por meio da transição entre trechos contrastantes. Quando vamos em direção ao final do filme, existe tanto a sensação de alívio misturada com um receio perturbador; a música transmite isso perfeitamente.
A peça “Fire Temple” é inicialmente calma, com cordas suaves tocando acordes lentos. Embora tenha um longo desenvolvimento, ela se torna amarga com a introdução de tremolo (repetição rápida de notas) e cordas agudas que soam como gritos. Essa mistura entre dois mundos sonoros opostos deixa uma sensação angustiante, assim como o que você vê na tela.
Texturas Ásperas e Ritmos Pulsantes
A textura musical é como as camadas de som são construídas e como interagem entre si. É muito semelhante a como você sentiria um objeto tátil com suas mãos. A suavidade de um cobertor macio é reconfortante, mas a textura de uma cama de pregos é muito menos acolhedora. O mesmo acontece com o som.
A combinação de texturas inclui drones baixos com sussurros sinistros de outros sons, texturas de acordes mais densas com progressões de acordes mais ásperas e gritos instrumentais de alta frequência. Muitas trilhas sonoras terão explosões súbitas para complementar sustos repentinos.
O exemplo mais famoso é a trilha sonora de Bernard Herrmann para a cena do chuveiro em Psicose. Não apenas as cordas agudas tocam em completa dissonância, mas elas tocam cada nota acentuada, em uma dinâmica alta, provavelmente tocadas com o calcanhar do arco para um som mais áspero e agressivo. O ritmo constante imita o efeito da facada, outra maneira de implementar um medo indefinido!
Uma das técnicas de composição mais populares utilizadas são os drones baixos. O desenvolvimento lento e profundo proporciona uma textura ambiental sombria, que contribui para a construção da tensão. Para aprimorar ainda mais isso, colocar um ritmo pulsante por cima também pode adicionar antecipação e criar o efeito de um batimento cardíaco.
Os compositores podem explorar essa ideia alterando o ritmo; ter um ritmo de batimento cardíaco irregular pode aumentar a ansiedade, mas manter um ritmo constante também pode ter o mesmo efeito. Howard Shore, que compôs a trilha sonora de O Silêncio dos Inocentes, utiliza essa técnica. Não apenas a linguagem harmônica é assustadora com sua natureza dissonante, mas a adição dos timbales sobre a sequência de acordes destaca a angústia do que está acontecendo na tela.
O ritmo pulsante também pode ser interpretado no tema de Tubarão. John Williams compôs um tema cromático característico, alternando entre duas notas a meio tom de distância uma da outra, acelerando gradualmente como se um enorme tubarão estivesse prestes a atacar!
Instrumentação
Entre todas as características musicais técnicas já discutidas, não devemos esquecer a escolha dos instrumentos. Embora haja uma vasta quantidade de opções de instrumentação, uma escolha popular é a Família de Cordas. Ela oferece uma paleta muito versátil de tons, texturas, timbres e dinâmicas para incitar o medo. As cordas mais baixas (contrabaixo e violoncelo) podem tocar drones rumorejantes muito baixos, com a capacidade de aumentar dinamicamente ao adicionar mais pressão ao arco.
As cordas mais altas (violinos e violas) podem tocar passagens alarmantes, imitar gritos, uivos e até facadas! O uso do arco pode mudar o som de muitas maneiras: tocar mais perto do calcanhar do arco para um timbre mais agudo, tocar mais perto da ponte para um som semelhante ao vidro (conhecido como sul ponticello) e repetir rapidamente os golpes do arco para um som tremulante (conhecido como tremolo).
Não apenas instrumentos acústicos são utilizados, mas as maravilhas da tecnologia musical ampliaram ainda mais as possibilidades de encontrar outros sons para criar uma atmosfera assustadora. A criação das DAWs (estações de trabalho de áudio digital) permite que os compositores melhorem a experiência do ouvinte, incluindo mundos sonoros mais imersivos. Os métodos de edição de áudio tornaram o processo de composição muito mais empolgante, já que criar essa paisagem sonora de horror com mais parâmetros disponíveis pode, em última análise, levar o ouvinte a outro mundo.
Voltando a Midsommar, a faixa “Hålsingland” tem esse incrível drone pulsante lento, acompanhado por ondas de som sinistras, que só foi possível graças à tecnologia musical atual.
Os sintetizadores proporcionaram uma gama mais ampla de sons para explorar. John Carpenter, que compôs as trilhas sonoras de Halloween e The Thing, demonstra a versatilidade do sintetizador na criação de trilhas sonoras assustadoras. Mais recentemente, Stranger Things ressuscitou aquele som de sintetizador dos anos 80 na cena de horror, não apenas nos levando de volta à década, mas ainda assim alcançando aquela sensação creepy.
Portanto, da próxima vez que você decidir ter uma noite de filmes de terror, preste atenção àquelas riffs dissonantes, às texturas perturbadoras e aos ritmos pulsantes, e permita que elas inspirem o tema musical perfeito para seu próximo filme ou curta-metragem de terror. Estude como elas te fazem sentir desconfortável e como funcionam dentro da edição e da história. Isso, sem dúvida, levará sua cena assustadora para o próximo nível.